Friday, May 17, 2013
Wednesday, May 15, 2013
Tuesday, May 14, 2013
Friday, May 10, 2013
Thursday, May 09, 2013
Ballet en la Unison
Taller de Técnica y Repertorio de Ballet en pareja. Pas de deux
Los estudiantes de la Licenciatura en Artes Escénicas, invitan a la comunidad dancística al
Primer Taller de entrenamiento y Repertorio de Ballet clásico en pareja (Pas de deux)
que se llevará a cabo en las instalaciones de la Licenciatura en Artes, especialidad Danza contemporánea de la Universidad de Sonora del 13 al 25 de mayo del 2013.
Para informes, envía un correo electrónico a: cfbb0@hotmail.com tel: 6622 823705 por la tardes
Miguel Castro.
1989-1990 Primer Bailarín en la Compañía Ballet of The Americas (El Paso, Texas)
En 1990 como Primer Bailarín para realizar una gira por Taiwan con Eugene Ballet Company (Eugene, Oregon)
1991-1997 Primer Bailarín en Arizona Ballet Company (Phoenix, Arizona)
1997 Bailarín Principal invitado en Sacramento Ballet Company (Sacramento, California)
1998 al 2006 Solista y Primer Bailarín en Colorado Ballet Company (Denver, Colorado) realizando giras por Canadá
Fue nombrado “Orgullo Latino” por la Cadena Telemundo en la ciudad de Denver, Co.
En todas las anteriores compañías ejecutado numerosas obras clásicas como: Don Quijote, La Bella Durmiente, Sherezada, Coppelia, El Cascanueces, La Cenicienta, El Lago de los Cisnes, Drácula, Corsario, Peter Pan, Romeo y Julieta, Esmeralda (solo), El jorobado de Notradame, Allegro Brilliante,Who Cares, Tarantela, Requiem, Metamorphoses, Meistens Mozart, Ember Vision, Midsummer Night’s Dream,
Air de Ballet, Ghost Town, Useless Treasures, Symphony #80, Sinfonía Danzante, La Sylphide, Flower Festival, Napoli , Silent Movie. Y muchos ballets más.
Desde 2007 trabaja como Maestro de Ballet Clásico en Guadalajara, Jalisco.
Miguel es reconocido por su dinámica y fuerza técnica al igual que su carácter histriónico, es considerado como uno de los bailarines más notables de México y el Extranjero.
Para informes, envía un correo electrónico a: cfbb0@hotmail.com tel: 6622 823705 por las tardes.
Monday, May 06, 2013
Maestría y Doctorado en Humanidades. Área de concentración: Bellas Artes. Teoría y práctica del Arte y Cultura
Maestría y Doctorado en investigación de y para las Artes. Universidad de Sonora
Revisa la Convocatoria aquí: http://www.posgradoenhumanidades.uson.mx/wp-content/uploads/2010/02/Convocatoria-2013-DH3.pdf
Revisa la Convocatoria aquí: http://www.posgradoenhumanidades.uson.mx/wp-content/uploads/2010/02/Convocatoria-2013-DH3.pdf
CONVOCATORIAS PARA ARTE CONTEMPORÁNEO
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Monday, April 29, 2013
29 de Abril
Día internacional de la Danza.
Mensaje del día internacional de la danza por Lin Hwai-min
El Gran Prefacio del “Libro de las Canciones”, una antología de poemas chinos que datan del
siglo X al siglo VII a.C., señala:
“Las emociones se remueven y adoptan la forma de palabras.
Si las palabras no bastan, hablamos en suspiros.
Si los suspiros no bastan, las cantamos.
Si el canto no basta, inconscientemente
Bailan nuestras manos y marcan el compás nuestros pies”.
La danza es una poderosa expresión. Habla a la tierra y al cielo. Habla de nuestra alegría, nuestro miedo, nuestros deseos. La danza habla de lo intangible y, aun así, revela el estado de la mente de las personas, y de su temperamento y carácter.
Como en muchas culturas del mundo, los nativos de Taiwan bailan en círculo. Sus antepasados creían que los demonios quedaban fuera de éste. Con las manos entrelazadas, se transmiten calor mutuamente y se mueven en una pulsión común. La danza reúne a la gente.
Y la danza se produce en el filo de la inexistencia. Los movimientos desaparecen en cuanto se producen. La danza sólo existe en el instante. Es única. Es una metáfora de la vida misma.
En esta era digital, las imágenes de los movimientos adoptan millones de formas. Son fascinantes. Pero nunca podrán remplazar a la danza porque las imágenes no respiran. La danza es una celebración de la vida.
Vamos, apaga la televisión, desconecta el ordenador y ven a bailar. Exprésate a través de este instrumento elevado y divino que es nuestro cuerpo. Ven a bailar y reúnete con otros en una pulsante oleada. Atrapa ese precioso y pasajero instante. Ven a celebrar la vida por medio de la danza.
Mensaje del día internacional de la danza por Lin Hwai-min
El Gran Prefacio del “Libro de las Canciones”, una antología de poemas chinos que datan del
siglo X al siglo VII a.C., señala:
“Las emociones se remueven y adoptan la forma de palabras.
Si las palabras no bastan, hablamos en suspiros.
Si los suspiros no bastan, las cantamos.
Si el canto no basta, inconscientemente
Bailan nuestras manos y marcan el compás nuestros pies”.
La danza es una poderosa expresión. Habla a la tierra y al cielo. Habla de nuestra alegría, nuestro miedo, nuestros deseos. La danza habla de lo intangible y, aun así, revela el estado de la mente de las personas, y de su temperamento y carácter.
Como en muchas culturas del mundo, los nativos de Taiwan bailan en círculo. Sus antepasados creían que los demonios quedaban fuera de éste. Con las manos entrelazadas, se transmiten calor mutuamente y se mueven en una pulsión común. La danza reúne a la gente.
Y la danza se produce en el filo de la inexistencia. Los movimientos desaparecen en cuanto se producen. La danza sólo existe en el instante. Es única. Es una metáfora de la vida misma.
En esta era digital, las imágenes de los movimientos adoptan millones de formas. Son fascinantes. Pero nunca podrán remplazar a la danza porque las imágenes no respiran. La danza es una celebración de la vida.
Vamos, apaga la televisión, desconecta el ordenador y ven a bailar. Exprésate a través de este instrumento elevado y divino que es nuestro cuerpo. Ven a bailar y reúnete con otros en una pulsante oleada. Atrapa ese precioso y pasajero instante. Ven a celebrar la vida por medio de la danza.
Demonios en el Desierto 21. Andrea Catania.
Andrea Catania, artista escénica costarricense presentó su trabajo "Demonios" en el Desierto 21. Desde el inicio de la obra llenó el foro con su energía y personalidad. En las primeras escenas haciendo movimientos en una silla o con una pared, muestra un cuerpo entero conectado a la dramaturgia del intérprete al cien por ciento. Ella es su dramaturgia, la vive. El famoso "yo soy fulan@ y estoy aquí y estoy ahora" de las clases de actuación, le es algo natural. Catania cambia de espacio y de estado en cada escena pero cuando suena "The severe garden" de Jim Morrison, percibo el trabajo de imagen aún mas fuerte y claro que en las escenas anteriores, (aunque para entonces ya había cruzado por mi mente algo como que que bonito manejo de la imagen).
El cuerpo con su escueto movimiento parece reaccionar a la letra de la canción y pongo mas atención a la rolita de los Doors. Hasta el momento la danza había sido en el tenor de la exploración-investigación de movimiento, luego en un vestido rojo se pone al centro y baila una secuencia de estilo flying low que acelera con cada repetición. Abre los brazos como en el gesto típico de las divas y pasa la secuencia varias veces, hasta que en un momento comienza a marcar con las manos y a caminar la secuencia repasándola en la mente como hacen los bailarines cuando marcan espacio o en ensayos técnicos. Lo que siguió fue lo mas interesante para mi, comenzó a narrar como debía ser la escena del vestido rojo, ventiladores, luces, vestuario, muchos efectos y tecnología, incluido un gran final con todo y saludo.
La mayoría del público participamos aceptando la convención de que eso estaba ocurriendo como ella lo estaba contando, porque, creo yo, en realidad estaba ocurriendo en la imaginación de los espectadores. Un ejemplo de como el manejo de la imagen de un actor puede y debe tener tal fuerza y convicción que pueda proyectarse en la mente del público.
Interdisciplina, Transdisciplina, Arte Escénico, Danza-teatro, Danza, Teatro o Teatro del cuerpo, como cada quien le quiera llamar desde su experiencia.
Andrea Catania, performer, verdadera Artista de la Escena que dejó su marca en el Desierto.
_________________________________________________________________________________
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De otras cosas en el Desierto 21
En la charla después de función, el mismo músico que alguna vez le dijo a Ernesto Contreras que porque no había utilizado bien la música en su coreografía, le preguntó a Catania (previa crítica por no usar la versión original del Adagio) que hacia donde iba la danza contemporánea... "No lo sé" dijo ella, "podría decirte que hacia la interdisciplina". Acto seguido el hombre dijo que si no sería hacia el teatro porque el cada vez veía menos movimiento y la danza es movimiento, "siendo así, me quedo con el teatro", sentenció. Andrea habló un poco de como el movimiento es danza, mover la mano o sentarse y mover los pies pudiera ser danza también así como una pareja de actores fumando un cigarrillo puede ser una coreografía. Comentó también que en la escena actual hay muchos creadores, que como ella, no hacen danza, teatro o video puro y mas bien combinan varias disciplinas para lo que cada quien quiere hacer. Contó como en su país el público ya sabe que no solo verá danza o teatro en sus obras.
Afortunadamente en la danza hay de todo, creadores a quienes les gusta mostrar secuencias que lucen el entrenamiento de los bailarines, los que prefieren moverse en el posmodernismo, el show o la interdisciplina, la experimentación, la reflexión o en mil y un cosas mas incluso sin importar el resultado, puesto que lo que consideran mas valioso en el Proceso.
Para todos los gustos hay, si no me crees nada mas voltea a la programación del Festival 21, desde lo clásico en técnica y narrativa (obvia, abstracta o reiterativa) hasta los procesos mas extraños que se presentan como un producto terminado. Lo bueno es que uno decide con "que quedarse" como dijo el hombre en charla, melón, sandía, teatro, danza, que bailen mucho o casi ni se muevan, estética de cuerpos entrenados o no tan tonificados. En lo que a mi concierne, si está bien hecho y puedo ver algo bueno entre todo, venga pues... me quedo con todo que para eso son los festivales, para poder ver lo que normalmente no vemos o como cotidianamente no lo vemos.
Lo malo, es que el único día en que el teatro se llenó fué con La Cebra. Atrás quedaron los tiempos cuando todo Hermosillo se movilizaba para ir al Desierto, largas colas y falta de lugar donde estacionarse, cuando la ciudad completa se enteraba que había danza internacional por miles de pendones y espectaculares en las calles, anuncios en la Radio y hasta en el Periódico. Cuando una semana o dos antes del Festival en escuelas y plazas se presentaban coreografías y micro-espectáculos promocionando el Festival. Ahora, ni a los cuatrocientos llegamos. Triste. Ni siquiera la inauguración se llenó con todo y el grupo versátil que pusieron en la plaza Bicentenario para que la gente bailara cumbias de Selena y otros éxitos de boda.
Es extraño es que habiendo tanta gente que hace danza en Hermosillo, estudiantes y profesionales y no me refiero solo a los de danza contemporánea, (cualquier persona puede disfrutar del Festival, pero que se dedique al arte del movimiento en cualquiera de sus ramas y no hayan abarrotado el Teatro... no sé, ¿pues que no es lo que les apasiona a los muchachos que toman clase todos los días? Acaso pensarán que no tiene nada que aprender de lo que ve en el Festival, de la manera de componer y bailar que tienen las visitas? La apatía se pone de manifiesto. Triste caso. Normalmente en Hermosillo, todo los espectáculos se llenan con un poco de difusión, ni siquiera se necesitan las grandes campañas, pero bueno, la comunicación y promoción no ha sido muy efectiva que digamos para diversos eventos que no sean el Faot. Un poco de democracia en el manejo de la promoción entre todos los proyectos culturales de acá, no nos vendría mal. En cuanto a los estudiantes de danza que no van al mayor evento de danza por las diversas razones que puedan tener, lo triste es que eventualmente, cierta ignorancia se refleja en su trabajo escénico. La apatía también tiene su precio.
¿Presupuestos? ¿Visión?¿Organización? ¿Plan de vida? "Vaya asteasaber". Pero como dicen en las bodas "que no decaiga ese ánimo" Gremio querido.
La mayoría del público participamos aceptando la convención de que eso estaba ocurriendo como ella lo estaba contando, porque, creo yo, en realidad estaba ocurriendo en la imaginación de los espectadores. Un ejemplo de como el manejo de la imagen de un actor puede y debe tener tal fuerza y convicción que pueda proyectarse en la mente del público.
Interdisciplina, Transdisciplina, Arte Escénico, Danza-teatro, Danza, Teatro o Teatro del cuerpo, como cada quien le quiera llamar desde su experiencia.
Andrea Catania, performer, verdadera Artista de la Escena que dejó su marca en el Desierto.
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De otras cosas en el Desierto 21
En la charla después de función, el mismo músico que alguna vez le dijo a Ernesto Contreras que porque no había utilizado bien la música en su coreografía, le preguntó a Catania (previa crítica por no usar la versión original del Adagio) que hacia donde iba la danza contemporánea... "No lo sé" dijo ella, "podría decirte que hacia la interdisciplina". Acto seguido el hombre dijo que si no sería hacia el teatro porque el cada vez veía menos movimiento y la danza es movimiento, "siendo así, me quedo con el teatro", sentenció. Andrea habló un poco de como el movimiento es danza, mover la mano o sentarse y mover los pies pudiera ser danza también así como una pareja de actores fumando un cigarrillo puede ser una coreografía. Comentó también que en la escena actual hay muchos creadores, que como ella, no hacen danza, teatro o video puro y mas bien combinan varias disciplinas para lo que cada quien quiere hacer. Contó como en su país el público ya sabe que no solo verá danza o teatro en sus obras.
Afortunadamente en la danza hay de todo, creadores a quienes les gusta mostrar secuencias que lucen el entrenamiento de los bailarines, los que prefieren moverse en el posmodernismo, el show o la interdisciplina, la experimentación, la reflexión o en mil y un cosas mas incluso sin importar el resultado, puesto que lo que consideran mas valioso en el Proceso.
Para todos los gustos hay, si no me crees nada mas voltea a la programación del Festival 21, desde lo clásico en técnica y narrativa (obvia, abstracta o reiterativa) hasta los procesos mas extraños que se presentan como un producto terminado. Lo bueno es que uno decide con "que quedarse" como dijo el hombre en charla, melón, sandía, teatro, danza, que bailen mucho o casi ni se muevan, estética de cuerpos entrenados o no tan tonificados. En lo que a mi concierne, si está bien hecho y puedo ver algo bueno entre todo, venga pues... me quedo con todo que para eso son los festivales, para poder ver lo que normalmente no vemos o como cotidianamente no lo vemos.
Lo malo, es que el único día en que el teatro se llenó fué con La Cebra. Atrás quedaron los tiempos cuando todo Hermosillo se movilizaba para ir al Desierto, largas colas y falta de lugar donde estacionarse, cuando la ciudad completa se enteraba que había danza internacional por miles de pendones y espectaculares en las calles, anuncios en la Radio y hasta en el Periódico. Cuando una semana o dos antes del Festival en escuelas y plazas se presentaban coreografías y micro-espectáculos promocionando el Festival. Ahora, ni a los cuatrocientos llegamos. Triste. Ni siquiera la inauguración se llenó con todo y el grupo versátil que pusieron en la plaza Bicentenario para que la gente bailara cumbias de Selena y otros éxitos de boda.
Es extraño es que habiendo tanta gente que hace danza en Hermosillo, estudiantes y profesionales y no me refiero solo a los de danza contemporánea, (cualquier persona puede disfrutar del Festival, pero que se dedique al arte del movimiento en cualquiera de sus ramas y no hayan abarrotado el Teatro... no sé, ¿pues que no es lo que les apasiona a los muchachos que toman clase todos los días? Acaso pensarán que no tiene nada que aprender de lo que ve en el Festival, de la manera de componer y bailar que tienen las visitas? La apatía se pone de manifiesto. Triste caso. Normalmente en Hermosillo, todo los espectáculos se llenan con un poco de difusión, ni siquiera se necesitan las grandes campañas, pero bueno, la comunicación y promoción no ha sido muy efectiva que digamos para diversos eventos que no sean el Faot. Un poco de democracia en el manejo de la promoción entre todos los proyectos culturales de acá, no nos vendría mal. En cuanto a los estudiantes de danza que no van al mayor evento de danza por las diversas razones que puedan tener, lo triste es que eventualmente, cierta ignorancia se refleja en su trabajo escénico. La apatía también tiene su precio.
¿Presupuestos? ¿Visión?¿Organización? ¿Plan de vida? "Vaya asteasaber". Pero como dicen en las bodas "que no decaiga ese ánimo" Gremio querido.
Sunday, April 28, 2013
Accidens de Antorse en el 21
Resiliencia. Capacidad para
seguir proyectándose en el futuro a pesar de acontecimientos
desestabilizadores, de condiciones de vida difíciles y traumas graves.
Samuel Lefeuvre, Nicolás Olivier y Raphaëla Latini del Grupo Entorse, crean una puesta cuestionando el concepto de resiliencia donde el diseño lumínico, la coreografía, y la música comparten protagonismo en el escenario de Un Desierto para la danza 21.
La escena es sencilla, un cuadro de blanco linóleo delimita el
espacio donde un bailarín en jeans y camiseta blancos desarrolla una lucha
constante por mantener la vertical. El movimiento estudia las posibilidades
para salir del piso, luego alcanza un "equilibrio precario",
cae y vuelve a explorar maneras de ponerse de pie. Más adelante
transita en el espacio moviéndose por los cuatro lados de su espacio blanco
mediante el impulso que produce como consecuencia el mover aisladamente pero
con fuerza los segmentos corporales provocando entonces, la locomoción.
La coreografía en Accidens me hizo pensar en las frases: "alcanzar y jalar" y "ceder y empujar" tan comúnmente usados en la jerga
dancística para explicar y entender, entre otras cosas, la aplicación de las
leyes de Newton en las clases de técnica del movimiento. Con cada escena
marcada por el obscuro, podía percibirse el conocimiento y dominio que el
bailarín posee de su instrumento: el cuerpo, y su peculiar manera de abordar el
movimiento. Un movimiento tan orgánico que aún las caídas desde la vertical
hasta el piso se veían fáciles. Sin embargo, el hombre de blanco en el
escenario no era lo más importante, la música creando ambientes y atmósferas
cambiantes en cada cuadro, compartía con un diseño lumínico de extrema
delicadeza, cada escena.
Los tres creadores bailan al unísono cada uno en su lenguaje.
Algunas veces, el bailarín se queda quieto y el foco es tomado por la
exquisitez de la luz o por una melodía con tintes terroríficos, metálicos o
suaves que acompaña al humo aproximándose a las butacas cual película de
misterio. Me atrapa la visión de este humo denso al tiempo que la música
dispone la atmósfera precisa para ver como la luz da el acabado perfecto a la
escena. Pero todo el tiempo figuran los tres aspectos cual mente, cuerpo y
espíritu en armonía.
La lucha por resistir a la gravedad, a la existencia y su
efecto aplastante, descubriendo maneras de caer y levantarse, sucesiones,
espirales, caídas por las que pasa el ser humano al transitar por la vida y sin
embargo encuentra la manera de seguir adelante, de continuar con sus tareas por
el camino... y al final simplemente termina. Accidens termina en un obscuro.
La música calla, el hombre de blanco se planta en vertical quedándose en
completa obscuridad.
Blackout.
Friday, April 26, 2013
Hello, Arte actual en el Desierto 21
Me tocó uno de los 200 lugares que se vendieron para la función de HELLO, de la coreógrafa australiana Becky Hilton con Producciones la lágrima. Una obra que se construyó a distancia, utilizando las redes sociales y otros medios como Vimeo, Youtube, Skype, mensajes de texto, correos electrónicos y tres visitas presenciales de la coreógrafa a Hermosillo.
Primero subimos al escenario, "no big deal", pensé yo, algo común... pero luego, ah, luego entonces la magia sucedió. Comencé a interesarme por lo que estaba presenciando en el mismo instante en que me topé con Jessica Félix bailando en un espacio que se antojaba personal, había otros 3 escenarios íntimos contenidos en el Foro del teatro de la ciudad donde cuatro bailarines altamente entrenados en mente y cuerpo ejecutaban acciones de movimiento con alta precisión pero dotadas de una naturalidad impecable. El público decidía que ver y donde ponerse, podía además transitar de un espacio a otro con el único inconveniente del obligado "compermiso, compermiso, golpe avisa".
Cada uno de los intérpretes tenía distintos gadgets electrónicos en su espacio, aparatos con los que acompañaba su presentación, laptop, iphone, ipod, smartphone, ipad, bocinas de distintos diseños y tamaños que transmitían textos y música para lo que cada bailarín hacía.
El primer cuadro de Félix, era con movimientos y acciones desprovistas de toda emocionalidad, no así de energía y proyección. Parecería que no tomaba en cuenta al público, sin embargo era evidente la percepción de que estábamos ahí, siendo integrados a su performance. El manejo de la atención y el dominio para dirigir la energía y el foco son sobresalientes en los cuatro intérpretes de HELLO. Cuando sonó la campana seguí caminando para encontrarme con Marco Iván Ochoa y sus muchas camisetas con leyendas en otros muchos idiomas, Marco en su escena usaba el texto además del movimiento, "me gusta el pastel de chocolate" dijo, y luego, simplemente se comió una pieza del pastel (literal), alguien muy acomedido, vió que había platos y cucharas desechables, quiso tomar del pastel y terminó huyendo hacia otro cuadro. Sonó la campana. "Ahora si, ¿quien quiere pastel?" entre risas, los que estaban cerca y les apetecía, tomaron una rebanada.
El cuadro de Emmanuel Pacheco tenía otro ambiente, un poco mas "pop", por ponerlo de alguna manera. En un momento, sonó la campanilla y realizando secuencias técnicamente complejas, sucesiones, aislamientos mas que precisos, fueras de centro, hinge, pitch, etc... todo con senda handycam en la mano, grababa al público a su alrededor. En seguida estaba el espacio de Alejandra López, con un loop memorable de enveloppes (que en la charla nos enteramos era su nombre en uno de las propuestas para la composición coreográfica creada por Trisha Brown) previo, leímos los textos en el ipad que reposaba en el abdomen de la artista mientras ella en posición supina dejaba escapar una lágrima sin mayor aspaviento.
Terminó la "instalación" y fuimos llevados a la sala, sonaron de nuevo las campanillas que fueron integrándose a una pieza por Kanye West y Terrence Thornton. Los bailarines en perfecta conexión y unísono hacían una secuencia con una serenidad que no delataba la alta complejidad técnica de su ejecución, y sin embargo, resultaba hipnótica. El manejo de las calidades de movimiento... exquisita, un dominio del tiempo, volumen, dinámica, intención espacial y densidad incuestionable. El compromiso de estos artistas con la obra, la escena, su entrenamiento y la danza quedó de manifiesto esta noche con HELLO.
Ya desde la presentación de Producciones la lágrima en el ciclo MARTesDanza de la Unison el noviembre pasado se vió una evolución en los integrantes hacia la excelencia, ahora, con HELLO, queda mas que probada. Producciones la lágrima se afirma como un colectivo de artistas maduros, preparados y con un trabajo personal profundo que enriquece la escena del Desierto 21. Al final, sucedió algo que me llamó la atención, la mayoría del público se quedó a la charla y ha sido la que mas participación del público ha tenido en este festival. Supongo que todo mundo quería saber porque nos quedamos...
Para hacer danza contemporánea hay que tener un bagaje cultural amplio, una base donde construir el arte para su interpretación, referentes culturales propios y ajenos desde donde abordar el hecho escénico. Los bailarines de Producciones la lágrima reflejan a través de su trabajo estos elementos como parte de su conocer para saber ser y saber hacer ( como dice Edgar Morin) conocen los manifiestos y propuestas de las vanguardias del Siglo XX, historia del arte y de la escena, y utilizan este conocimiento de manera eficiente y efectiva en su interpretación, además de la necesaria reflexión y análisis de movimiento, sea esto para una pieza conceptual como Fisuras, abstracta como Hymen Vorgos o un trabajo más personal como HELLO.
El programa dice: HELLO es una instalación, una exhibición, una función de danza (Donde, para los puristas, SI HAY DANZA, SI BAILAN) y también es una serie de encuentros con los Artistas de producciones la lágrima. Para mi, HELLO, es arte. Un reflejo de la cultura actual, de esa sociedad en que vivimos con tal necesidad de conocernos que al mismo tiempo nos aleja de un contacto y conocimiento personal más profundo en la cultura de la pantalla.
HELLO, Un must see de la danza actual.
Primero subimos al escenario, "no big deal", pensé yo, algo común... pero luego, ah, luego entonces la magia sucedió. Comencé a interesarme por lo que estaba presenciando en el mismo instante en que me topé con Jessica Félix bailando en un espacio que se antojaba personal, había otros 3 escenarios íntimos contenidos en el Foro del teatro de la ciudad donde cuatro bailarines altamente entrenados en mente y cuerpo ejecutaban acciones de movimiento con alta precisión pero dotadas de una naturalidad impecable. El público decidía que ver y donde ponerse, podía además transitar de un espacio a otro con el único inconveniente del obligado "compermiso, compermiso, golpe avisa".
Cada uno de los intérpretes tenía distintos gadgets electrónicos en su espacio, aparatos con los que acompañaba su presentación, laptop, iphone, ipod, smartphone, ipad, bocinas de distintos diseños y tamaños que transmitían textos y música para lo que cada bailarín hacía.
El cuadro de Emmanuel Pacheco tenía otro ambiente, un poco mas "pop", por ponerlo de alguna manera. En un momento, sonó la campanilla y realizando secuencias técnicamente complejas, sucesiones, aislamientos mas que precisos, fueras de centro, hinge, pitch, etc... todo con senda handycam en la mano, grababa al público a su alrededor. En seguida estaba el espacio de Alejandra López, con un loop memorable de enveloppes (que en la charla nos enteramos era su nombre en uno de las propuestas para la composición coreográfica creada por Trisha Brown) previo, leímos los textos en el ipad que reposaba en el abdomen de la artista mientras ella en posición supina dejaba escapar una lágrima sin mayor aspaviento.
Terminó la "instalación" y fuimos llevados a la sala, sonaron de nuevo las campanillas que fueron integrándose a una pieza por Kanye West y Terrence Thornton. Los bailarines en perfecta conexión y unísono hacían una secuencia con una serenidad que no delataba la alta complejidad técnica de su ejecución, y sin embargo, resultaba hipnótica. El manejo de las calidades de movimiento... exquisita, un dominio del tiempo, volumen, dinámica, intención espacial y densidad incuestionable. El compromiso de estos artistas con la obra, la escena, su entrenamiento y la danza quedó de manifiesto esta noche con HELLO.
Ya desde la presentación de Producciones la lágrima en el ciclo MARTesDanza de la Unison el noviembre pasado se vió una evolución en los integrantes hacia la excelencia, ahora, con HELLO, queda mas que probada. Producciones la lágrima se afirma como un colectivo de artistas maduros, preparados y con un trabajo personal profundo que enriquece la escena del Desierto 21. Al final, sucedió algo que me llamó la atención, la mayoría del público se quedó a la charla y ha sido la que mas participación del público ha tenido en este festival. Supongo que todo mundo quería saber porque nos quedamos...
Para hacer danza contemporánea hay que tener un bagaje cultural amplio, una base donde construir el arte para su interpretación, referentes culturales propios y ajenos desde donde abordar el hecho escénico. Los bailarines de Producciones la lágrima reflejan a través de su trabajo estos elementos como parte de su conocer para saber ser y saber hacer ( como dice Edgar Morin) conocen los manifiestos y propuestas de las vanguardias del Siglo XX, historia del arte y de la escena, y utilizan este conocimiento de manera eficiente y efectiva en su interpretación, además de la necesaria reflexión y análisis de movimiento, sea esto para una pieza conceptual como Fisuras, abstracta como Hymen Vorgos o un trabajo más personal como HELLO.
El programa dice: HELLO es una instalación, una exhibición, una función de danza (Donde, para los puristas, SI HAY DANZA, SI BAILAN) y también es una serie de encuentros con los Artistas de producciones la lágrima. Para mi, HELLO, es arte. Un reflejo de la cultura actual, de esa sociedad en que vivimos con tal necesidad de conocernos que al mismo tiempo nos aleja de un contacto y conocimiento personal más profundo en la cultura de la pantalla.
HELLO, Un must see de la danza actual.
Wednesday, April 24, 2013
Convocatoria Programa Nacional de Teatro Escolar en Sonora
http://www.isc.gob.mx/2013/convocatorias24.html
Revisa la convocatoria, el premio para el proyecto ganador incluye:
1. Pago de la producción $69,000.00
2. Pago de creativos $82,000.00
3. Pago mantenimiento de la producción $15,000.00
4. Pago de derechos de autor $23,000.00
5. Pago de 40 funciones (Corresponde al INBA) $80,000.00
Para estrenar en octubre del 2013 Fecha límite para recibir propuestas: 22 de mayo.
Revisa la convocatoria, el premio para el proyecto ganador incluye:
1. Pago de la producción $69,000.00
2. Pago de creativos $82,000.00
3. Pago mantenimiento de la producción $15,000.00
4. Pago de derechos de autor $23,000.00
5. Pago de 40 funciones (Corresponde al INBA) $80,000.00
Para estrenar en octubre del 2013 Fecha límite para recibir propuestas: 22 de mayo.
Talleres para la formulación de proyectos con IMCATUR
Sunday, April 21, 2013
Comenzó el Desierto 21
Ayer sábado 21 de abril se presentó en el Teatro de la ciudad Montréal Danse con el programa "Husk" de George Stamos, música en vivo por Jackie Gallant y bailando además del coreógrafo Rachel Harris y Elinor Fueter.
Indudable trabajo de exploración, parte de un cuestionamiento considerando las alternativas posibles entre lo artificial y lo auténtico, la paradoja de vivir instintivamente en un mundo donde la tecnología es parte de lo cotidiano. El partir de la improvisación e investigación de movimiento dota a la pieza de una organicidad a prueba de secuencias, incluso al hacer un único unísono, la aproximación al movimiento es "de dentro hacia afuera" lo que hace la coreografía interesante de observar, aunado a un excelente entrenamiento de los intérpretes y un diseño sonoro que lleva la puesta a través de tiempos, ambientes y dinámicas de manera eficiente. Para mí, una ventaja de la música en directo es que unifica energías y colabora en la creación de atmósferas que facilitan la interpretación, estrechando los lazos de colaboración e identificación en los artistas de la obra y con la obra.
Entre los recursos que Stamos utiliza, está el juego de máscaras y botargas musculosas. La compositora usa una con músculos exagerados. Y de este juego derivo una discusión/reflexión personal sobre roles de género, identidad, percepción y realidad. ¿Cómo y quien soy? ¿Soy lo que se ve, lo que parece que soy? ¿o lo que tengo bajo las máscaras del cuerpo y mente? ¿lo que pienso o lo que hago? En la charla final, el coreógrafo ahonda un poco sobre el tema diciendo que cuando nos quitamos la máscara seguimos siendo una máscara en nuestro rostro mismo.
¿Como resuelvo la convivencia desde una mesa con una computadora, cientos de cables y una batería electrónica con la animalidad instintiva del neandenthal, el tallo cerebral con el que vivo aquí y ahora? la herencia genética, las sensaciones, los instintos que de vez en vez se nos manifiestan como miembros activos de esta sociedad contemporánea.
Un montaje entretenido sin duda, pero mas allá de eso, el valor de la pieza estriba en el uso de la reflexión como detonante para la investigación y exploración del movimiento. La búsqueda de un lenguaje particular para la elaboración de este trabajo y la consecutiva resolución o no, de las preguntas planteadas para su composición. La aproximación al hecho escénico buscando comprender lo que se hace y porque se hace como se hace.
El buen humor siempre se agradece y esa escena donde se reúnen junto al fuego virtual y hablan, en español, me pareció hilarante después de la canción de ACDC. El manejo de máscaras y botargas muy dominado y la composición/ejecución musical sobresaliente.
Esta función junto con la charla final me reafirman porque sigo teniendo especial predilección por los trabajos con bailarines maduros. Le dan sentido al uso de la técnica como instrumento, no como fin y saben como integrar y aprovechar sus recursos para la interpretación. Por último: no se conforman.
Mis favoritos: El solo de Rachel Harris con máscara y botarga, el discurso sobre el streap tease con clase de Elinor Fueter, las rodadas al unísono en la última parte y el loop del principio con Elinor Fueter en peluca rubia y tacones rojos.
Friday, April 19, 2013
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